Museo de Brooklyn: Tejedores de sueños: los diseñadores que revolucionaron los textiles africanos

Por Karen Chung, ilustraciones de Rendani Nemakhavhani también conocido como PR$DNT HONEY

Este ensayo se vuelve a publicar desde Nataal Número 3 en asociación con Africa Fashion, y se exhibirá en el Museo de Brooklyn del 23 de junio al 22 de octubre de 2023.

Se dice que dominar una habilidad requiere 10.000 horas, así que imaginemos el conocimiento transmitido de madre a hija, de padre a hijo, cuando la aplicación de esas habilidades se mide no en horas sino en generaciones de meticulosa evolución y refinamiento. Los textiles han significado riqueza y estatus en África durante milenios gracias a los artesanos que han tejido, teñido, cortado, hilado, cosido, adornado, tejido a crochet y bordado estos impresionantes materiales. En Ghana, el kente (quizás el tejido más mundialmente reconocido del continente) se teje en telares manuales, donde un rico simbolismo y una narración están incrustados en la urdimbre y la trama. En Etiopía, los bordados amhara finamente elaborados llevan las formas minimalistas de la ropa de algodón a nuevas alturas. Y en Malí, las uñas de un profundo color azul tinta indican las manos de expertos tintoreros de sus pozos de índigo centenarios.

A miles de kilómetros de distancia, las pequeñas maestras (“manitas”) han transmitido valiosas habilidades a través de familias en los talleres de alta costura de las capitales de la moda de Europa. Es una alineación que no pasó desapercibida para el diseñador sudafricano Thebe Magugu, quien en su primera colección para AZ del fallecido Alber Albaz este año, dijo a Vogue: “Las cosas que componen el lujo, la idea del tiempo dedicado a crear algo, la narración, la transmisión de algo de generación en generación, son realmente los mismos que se encuentran en la artesanía africana”. Estamos en la cúspide de una revolución textil y en una época de ajuste de cuentas ético para la industria de la moda, una recuperación oportuna de un movimiento que se inició hace décadas. El aso oke (“tela de prestigio” o “tela superior”) fue popularizado por el poderoso “Shade” Thomas-Fahm, a menudo apodado “el primer diseñador de moda moderno de Nigeria”, cuya tienda en Lagos, Shade's Boutique, encarnaba y defendía la tendencia post-africana. espíritu de independencia con el uso de esta exquisita tela yoruba tejida a mano en estilos contemporáneos. La familiaridad europea con los complejos y fascinantes motivos del bògòlanfini se debe en gran parte a Chris Seydou, el pionero de la moda de Malí que hizo de este impresionante algodón teñido con arcilla su firma en los años 1960 y 1970. Un avance rápido hasta 2012 y Suzy Menkes, entonces del International Herald Tribute, citó una redefinición emergente de lo que significa la palabra lujo en el siglo XXI, diciendo: “Los consumidores, particularmente en el hemisferio occidental, están comenzando a valorar los objetos tocados por manos humanas. —Y el trabajo manual en África es excepcional”.

Ilustración de Rendani Nemakhavhani también conocido como PR$DNT HONEY

Ahora, una generación joven de diseñadores está a la vanguardia de una multitud de nuevos enfoques hacia los textiles: creando nuevas redes de artesanos y especialistas, evitando el sistema de moda tradicional para establecer talleres en sus países de origen o dirigiendo estudios híbridos en todos los continentes. Estos incluyen a Kenneth Ize, con sede en Lagos, cuyo debut en la Semana de la Moda de París antes de la pandemia contó con la participación de Naomi Campbell; produce la mayor parte de su colección a partir de textiles inspirados en aso oke y tie-dye fabricados en una fábrica que estableció en Nigeria. En Abuja, Nkwo Onwuka de Nkwo desarrolló telas dakala a partir de mezclilla reciclada, telas de final de línea y desechos de la mesa de corte, llamadas así por el sonido repetitivo del telar utilizado en su fabricación. Emmanuel Okoro, de Emmy Kesbit, que ganó la muestra anual inaugural Africa Fashion Up con Balenciaga el año pasado, defiende el akwete, una tela tan importante que dio origen a una industria, otorgando su nombre a la ciudad cuya entrada presenta una estatua monumental de Dada Nwakwata, el siglo XIX. Maestro tejedor del siglo XIX que lo inventó.

Otros creativos que revolucionan las telas de maneras intrigantes y revitalizan técnicas y manufacturas ancestrales a pequeña escala incluyen a Adeju Thompson del Programa Espacial de Lagos, quien innova con lo que él llama "post-adire": la aplicación de la antigua técnica de teñido de índigo a prendas de punto. . E Imane Ayissi, nacido en Camerún y afincado en París, cuyas piezas de alfombra roja han sido usadas por Zendaya y Angela Bassett, fue diseñador invitado en la programación de alta costura en París por primera vez en 2020. Ha utilizado tanto kente como obom (tela de corteza) y ndop (tela índigo camerunesa) y le dijo a Vogue: “Mi misión es mostrar cuán enormemente diversas son nuestras culturas: solo en Camerún tenemos más de 200 dialectos; Hay una profunda complejidad que quiero celebrar”.

La artista textil londinense Lorelle Aboagye exploró y amplió el lenguaje simbólico del kente en su colección Origins, que documentó su historia familiar entrelazando telas, alambres y arandelas oxidadas: su respuesta al ver pesas de oro Asante en el V&A y un homenaje a artesanía en metal, practicada por su abuelo. Está profundamente inspirada por el potencial narrativo de los textiles y explica cómo integró la seda india en una de sus telas para evocar el entrecruzamiento de las rutas comerciales del continente. Estudió ilustración, pero se pasó a los textiles cuando se dio cuenta de su poderoso potencial narrativo. “Recuerdo la primera vez que vi un telar. ¡Ni siquiera sabía qué era! Me inició en un viaje único. Ahora, imagino que haré una pieza nueva cada año y cada una será algo precioso para transmitir a mis hijos y nietos”.

En los últimos años se ha producido un cambio radical en la industria de la moda, y la sucia verdad sobre el nivel de sus prácticas contaminantes y explotadoras ha salido a la luz. La pandemia también fue una llamada de atención sobre la necesidad y los beneficios de fortalecer las cadenas de suministro locales, así como el cuestionamiento de los patrones de trabajo y la feroz estacionalidad del calendario de la moda. Se estima que las ventas minoristas de prendas de vestir valen alrededor de 1,3 billones de dólares, pero la moda también contribuye de manera clave al calentamiento global y representa hasta el 10 por ciento de las emisiones globales de carbono.

Como tal, todas las miradas están ahora puestas en África, el continente con el grupo demográfico más joven del mundo, con el 70 por ciento de su población menor de 30 años. Aquí, los defensores de la nueva vanguardia frecuentemente se definen a sí mismos como diseñadores-activistas, con una negativa generacional a hacerlo. negocio como de costumbre que está a la vanguardia del movimiento de sostenibilidad. El sudafricano Lukhanyo Mdingi, coganador del Premio LVMH Karl Lagerfeld 2021, subraya que la moda es una forma para que sus pares generen un impacto social. Para su última colección, obtuvo sus tejidos y prendas de punto de comunidades artesanales de Burkina Faso y Somalia, así como de lugares más cercanos a su hogar en el Cabo Oriental.

Ilustración de Rendani Nemakhavhani también conocido como PR$DNT HONEY

Del mismo modo, Christèle Mbosso, con su incipiente marca Maison Mbosso, es una apasionada de la tela de corteza de Uganda, en la que basó su última colección. Este material versátil, extraído del árbol Mutuba, se utilizaba tradicionalmente para preservar cadáveres y tiene propiedades antimicrobianas naturales, además de brindar protección contra MRSA. "Es completamente sostenible porque hay que cosechar la corteza cada año para que vuelva a crecer, y no es sólo una hermosa tela con la que trabajar; usarla en cantidades confiables es una forma de revitalizar completamente la economía local", dijo. La nueva empresa keniana Green Nettle ganó el Premio al Cambio Global de la Fundación H&M por su textil ecológico elaborado a partir de esta tenaz planta en 2019. Y, en conjunto con la Iniciativa de Moda Ética, Bubu Ogisi de Iamisigo, que dirige estudios entre Lagos, Accra y Nairobi, fabrica cada una de sus piezas por encargo a partir de telas que tejen fibras vegetales con plástico, vidrio y metal reciclados. "No estoy interesada en la fabricación en masa", dijo. “Paso tiempo con ancianos de las aldeas que transmiten sus habilidades de tejido a sus nietos porque es la única manera de que sus habilidades sobrevivan”.

Si bien el mercado de lujo africano es todavía relativamente pequeño, el goteo se convertirá en un rugido. África ha experimentado cambios políticos, socioculturales, económicos y demográficos acelerados con el surgimiento de una clase media próspera y algunos de los consumidores de marcas de lujo con mayor patrimonio neto del mundo. Los minoristas electrónicos multimarca como Industrie Africa y The Folklore tienen un papel clave que desempeñar para llevar las marcas africanas al mercado, y Farfetch lanzó recientemente Farfetch Futures para brindar apoyo comercial y tecnológico a los diseñadores negros. A esto se suma el hecho de que los consumidores toman cada vez más en cuenta la sostenibilidad y la ética y es una tormenta de moda perfecta. Fashionomics Africa, una iniciativa del Banco Africano de Desarrollo que tiene como objetivo aumentar la participación en la industria textil mundial de la moda, cree en su inmenso potencial. "La economía circular ya está integrada en muchas marcas de moda africanas, ya que se basan en conocimientos autóctonos sobre procesos de fabricación que respetan el medio ambiente y a las personas", afirmó la economista y portavoz Emanuela Gregorio.

La virtud de recurrir a la fabricación, los materiales y las cadenas de suministro locales es evidente. Mire el ejemplo de MFP, una empresa líder en textiles sostenibles fundada por la guineana Mariama Camara, cuyas piezas han sido usadas por Michelle Obama. Desde sus bases en Nueva York y Abidjan, trabaja con una amplia red de artesanos altamente calificados en colaboraciones con artistas como Ulla Johnson y Tory Burch.

Esto concuerda con la African Fashion Foundation, la organización sin fines de lucro de Roberta Annan, que replantea la cuestión del desperdicio y la aceleración de la economía circular. Su último grupo de diseño incluye a Samuel Oteng, ex finalista del Programa de becas de diseño de Gucci, que se une a un grupo ganador de jóvenes creadores que reutilizan textiles de mercados de segunda mano en Nigeria, Ghana y Senegal de maneras hermosas e inusuales. Y avanzando hacia la tecnología del futuro, la biocientífica británica-zimbabuense Natsai Audrey Chieza ha desarrollado un tinte para telas a partir de streptomyces (una cepa de bacteria que se encuentra en el suelo) que reduce drásticamente la cantidad de agua necesaria para teñir telas y, por lo tanto, tiene el potencial de limpiar producción textil en masa.

Alphadi, el célebre diseñador nigerino y Embajador para la Paz de la UNESCO, inauguró el Festival Internacional de la Moda allá por 1998 y durante mucho tiempo ha criticado abiertamente la falta de esfuerzos del gobierno para promover la manufactura local, consciente de la inmensa transformación económica que está experimentando la industria. un amplio despertar podría provocar. Ahora la nueva generación toma su lugar dando un paso al frente, cambiando la narrativa, creando alta costura en todo menos en el nombre y tomando las cosas en sus propias manos.

Karen Chung es una editora senior radicada en Londres con experiencia en moda, belleza y estilo de vida y ex editora de Tatler.

Rendani Nemakhavhani es una ilustradora y directora de arte radicada en Johannesburgo cuyos personajes fuertes y alegres reflejan su alter ego, PR$DNT HONEY.